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Inhabiting urban light / Habitar la luz urbana

9 febrero, 2025

 

 

 


‘Inhabiting urban light’ is a project that emerged in 2013 as a challenge: to create a piece suitable for festivals and light-related events that would take advantage of the city’s light resources without generating additional consumption. Already at that time, we felt that there was a perception that light events were a great waste of energy, something that, with current electricity prices, could be considered unethical.

Now, in a complex political and social context, this idea makes more sense than ever. We have therefore decided to graphically revise the project, refine it and present it in a more attractive and understandable way.

The approach is simple: to use the light of urban street lamps to transform their light beam into a living space, where people can spend time at night without external energy sources. In this way, instead of adding electricity consumption to the city, we use the resources that are already available in the streets.

The design consists of lightweight cone-shaped metal structures, created from two circumferences joined by rods. These structures, which can vary in size and shape depending on the type of luminaire to be intervened, will be attached directly to the foot of the lampposts located in main streets or squares.

To enclose the structure and create a sheltered environment, they will be covered with white semi-transparent tulle fabric. In this way, the light beam from the lampposts is captured, creating a cosy and comfortable environment that invites citizens to spend time there free of charge and without consuming additional resources. These spaces could also serve as intimate settings for free cultural activities.

Beyond being an energy-free piece in a light event, ‘Inhabiting Urban Light’ addresses a growing problem: energy poverty. This reality affects thousands of people who cannot afford to pay high electricity rates. In a context where having access to light at home has become a luxury for many, this piece seeks to make this social injustice visible while offering a space where urban light becomes the protagonist.

In addition, the project underlines the importance of good lighting in public spaces, which facilitates the lives of citizens by allowing them to be in well-lit streets at night and feel safe. At the same time, it reminds that this is achieved with public money, coming from the taxes of all citizens.

With this piece, we aim not only to create an artistic intervention, but also to raise awareness about energy poverty and to show that it is possible to generate sustainable and community spaces without resorting to high energy consumption, always thinking about the common good.

The piece would be open all day for people to use, and at night, once lit up, it could serve both as an urban shelter and as a stage for cultural activities, such as concerts or small-scale theatre.

In addition, it could include elements such as cushions, chairs and tables to make it more comfortable, or let the neighbours themselves inhabit it and adapt it according to their needs.

Hopefully we will soon be able to carry it out.

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«Habitar la luz urbana» es un proyecto que surgió en 2013 como un desafío: crear una pieza adecuada para festivales y eventos relacionados con la luz, que aprovechara los recursos lumínicos de la ciudad sin generar un consumo adicional. Ya en aquel momento, considerábamos que existía la percepción de que los eventos de luz suponen un gran despilfarro energético, algo que, con los precios actuales de la electricidad, podría considerarse poco ético.

Ahora, en un contexto político y social complejo, esta idea cobra más sentido que nunca. Por ello, hemos decidido revisar gráficamente el proyecto, refinarlo y presentarlo de una manera más atractiva y comprensible.

El planteamiento es sencillo: aprovechar la luz de las farolas urbanas para transformar su haz lumínico en un espacio habitable, donde las personas puedan pasar tiempo durante la noche sin recurrir a fuentes de energía externas. De esta manera, en lugar de añadir consumo eléctrico a la ciudad, utilizamos los recursos que ya están disponibles en las calles.

El diseño consiste en estructuras metálicas ligeras con forma de cono, creadas a partir de dos circunferencias unidas por varillas. Estas estructuras, que pueden variar en tamaño y forma según el tipo de luminaria que se intervenga, se acoplarán directamente al pie de las farolas ubicadas en calles principales o plazas.

Para cerrar la estructura y crear un ambiente resguardado, estas se cubrirán con tela de tul semitransparente de color blanco. De esta manera, se captura el haz de luz de las farolas, generando un entorno acogedor y confortable que invita a los ciudadanos a pasar tiempo en él de manera gratuita y sin consumir recursos adicionales. Estos espacios podrían servir, además, como escenarios íntimos para actividades culturales gratuitas.

Más allá de ser una pieza sin consumo energético en un evento de luz, «Habitar la luz urbana» aborda una problemática creciente: la pobreza energética. Esta realidad afecta a miles de personas que no pueden permitirse pagar las altas tarifas de la electricidad. En un contexto en el que tener acceso a la luz en casa se ha convertido en un lujo para muchos, esta pieza busca visibilizar esta injusticia social mientras ofrece un espacio donde la luz urbana se convierte en protagonista.

Además, el proyecto subraya la importancia de una buena iluminación en los espacios públicos, que facilita la vida de los ciudadanos al permitirles estar en calles bien iluminadas durante la noche y sentirse a salvo. Al mismo tiempo, recuerda que esto se logra con dinero público, proveniente de los impuestos de todos los ciudadanos.

Con esta pieza, no sólo pretendemos crear una intervención artística, sino también sensibilizar sobre la pobreza energética y demostrar que es posible generar espacios sostenibles y comunitarios sin recurrir a un alto consumo energético, siempre pensando en el bien común.

La pieza estaría abierta todo el día para que la gente pueda usarla, y por las noches, ya iluminada, podría servir tanto como refugio urbano como escenario para actividades culturales, como conciertos o teatro de pequeño formato.

Además, podría incluir elementos como cojines, sillas y mesas para hacerla más confortable, o dejar que los propios vecinos la habiten y adapten según sus necesidades.

Ojalá pronto podamos llevarla a cabo.

Packaged Nature / Naturaleza Envasada

3 febrero, 2025

 

For some time now we have been revising and improving our portfolio with projects that, in most cases, we had already devised some time ago, but that we have detected that they needed a visual improvement, and others that had already been carried out in a modest way and needed to be shown on a larger scale to make them more accessible and attractive.

Today we would like to share «Packaged Nature», a piece that, as usual in our work, seeks to transform urban and exhibition spaces through community collaboration and reflection on the relationship between the natural and the artificial.

It is an evolution of our 2018 intervention, Packaged Garden, carried out in Valencia, which we have imagined on a larger scale and in suspension, without losing its participatory and reflective character.

As in Valencia, the installation invites citizens to be an active part of its creation, contributing recycled plastic containers and plants native to their environment. They do not need to be the most eye-catching, but rather those that are part of their everyday landscape and reflect local biodiversity. Weeds are also welcome.

This collaboration will be articulated through workshops with volunteers to assemble the piece. Our experience has shown us that this process not only enriches the project, but also fosters a sense of belonging and responsibility towards the environment. In addition, we will rely on local plant suppliers and recycling companies, ensuring that the installation is made entirely with local materials and producers.

The participation of children and young people will be particularly welcome, as their involvement fosters environmental awareness and a bond with their environment. Through these activities, children will be able to understand the importance of recycling and the preservation of nature, while developing their creativity and manual skills. Of course, anyone can join in.

To give shape to the installation, a truss structure or light supports will be created that will allow the containers to be suspended at different heights, achieving an enveloping and dynamic effect. Each container will be prepared with water and nutrients, ensuring that the plants are kept alive for a period of time before they begin their natural process of decay.

Lighting will be key: each container will contain a small light inside, either an LED bulb or a stand-alone light source. This detail will highlight the brightness of the water and create a strong contrast with the darkness of the surroundings. In addition, the light will emphasise the texture of the recycled plastic and the fragility of the plants trapped inside, creating the sensation that nature has been contained within the waste.

This work will not be static, but will evolve over time. The plants will wither, grow or decompose depending on the environmental conditions and the time of exhibition. We want this process to be an essential part of the concept, allowing the public to observe the passage of time on the installation and document its transformation. The elements that fall off naturally – dried leaves, petals, branches, roots – will fall to the ground, leaving a visible trace of the cycle of life in contrast to the permanence of the plastic.

«Packaged Nature» will be an open and accessible space for everyone, allowing anyone to walk through the installation freely, interact with it and reflect on the impact of waste on our environment. We want to transform these spaces into living environments, where citizens can stop, contemplate and be part of the experience.

Moreover, thanks to its versatility, it can be installed in museums, galleries and other exhibition spaces. In these environments, the work will establish a dialogue with the neat and aseptic aesthetics of these spaces, introducing recycled plastic as a disruptive element that generates visual tension. The presence of living plants, which will inevitably deteriorate over time, will remind us of the fragility of the natural versus the durability of plastic, raising a reflection on our environmental footprint. We will always try to ensure that the installation is in freely accessible spaces, allowing anyone to enjoy it.

While in open spaces this trace of degradation will serve as a testimony of the natural process, in museum environments it will generate a confrontation with the idea of neatness and control that usually characterise these places.

«Packaged Nature» is an invitation to rethink our common spaces, be they streets, squares, museums or historic buildings. We firmly believe that, through collaboration and creativity, we can transform pass-through or non-interactive areas into vibrant environments that celebrate life and promote sustainability.

Hopefully we will soon be able to make it happen.

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Llevamos un tiempo revisando y mejorando nuestro portafolio con proyectos que, en la mayoría de los casos, ya habíamos ideado hace tiempo, pero que hemos detectado que necesitaban una mejora visual, y otros que ya habían sido llevados a cabo de manera modesta y que necesitaban mostrarse a mayor escala para hacerlos más accesibles y atractivos.

Hoy queremos compartir «Naturaleza Envasada», una pieza que, como es habitual en nuestro trabajo, busca transformar los espacios urbanos y expositivos a través de la colaboración comunitaria y la reflexión sobre la relación entre lo natural y lo artificial.

Se trata de una evolución de nuestra intervención de 2018, «Jardín Envasado», realizada en Valencia, que hemos imaginado a mayor escala y en suspensión, sin perder su carácter participativo y reflexivo.

Al igual que en Valencia, la instalación invita a los ciudadanos a ser parte activa de su creación, aportando envases plásticos reciclados y plantas autóctonas de su entorno. No es necesario que sean las más vistosas, sino aquellas que forman parte de su paisaje cotidiano y reflejan la biodiversidad local. Las malas hierbas también son bienvenidas.

Esta colaboración se articulará a través de talleres con voluntarios para el ensamblaje de la pieza. Nuestra experiencia nos ha demostrado que este proceso no solo enriquece el proyecto, sino que también fomenta un sentido de pertenencia y responsabilidad hacia el entorno. Además, contaremos con proveedores locales de plantas y empresas de reciclaje, garantizando que la instalación se realice completamente con materiales y productores de proximidad.

La participación de niños y jóvenes será especialmente bienvenida, ya que su involucramiento fomenta una conciencia ambiental y un vínculo con su entorno. A través de estas actividades, los más pequeños podrán comprender la importancia del reciclaje y la preservación de la naturaleza, al tiempo que desarrollan su creatividad y habilidades manuales. Por supuesto, cualquier persona podrá sumarse.

Para dar forma a la instalación, se creará una estructura de truss o soportes ligeros que permitirán suspender los envases a diferentes alturas, logrando un efecto envolvente y dinámico. Cada envase se preparará con agua y nutrientes, asegurando que las plantas se mantengan vivas durante un tiempo antes de comenzar su proceso natural de deterioro.

La iluminación será clave: cada recipiente contendrá una pequeña luz en su interior, ya sea una bombilla LED o una fuente de luz autónoma. Este detalle resaltará el brillo del agua y generará un fuerte contraste con la oscuridad del entorno. Además, la luz enfatizará la textura del plástico reciclado y la fragilidad de las plantas atrapadas en su interior, creando la sensación de que la naturaleza ha quedado contenida dentro de los residuos.

Esta obra no será estática, sino que evolucionará con el tiempo. Las plantas se marchitarán, crecerán o se descompondrán según las condiciones ambientales y el tiempo de exhibición. Queremos que este proceso sea parte esencial del concepto, permitiendo que el público observe el paso del tiempo sobre la instalación y documente su transformación. Los elementos que se desprendan de forma natural —hojas secas, pétalos, ramas, raíces— caerán al suelo, dejando un rastro visible del ciclo de la vida en contraste con la permanencia del plástico.

Naturaleza Envasada será un espacio abierto y accesible para todos, permitiendo que cualquier persona pueda recorrer la instalación libremente, interactuar con ella y reflexionar sobre el impacto de los residuos en nuestro entorno. Queremos transformar estos espacios en entornos vivos, donde los ciudadanos puedan detenerse, contemplar y ser parte de la experiencia.

Además, gracias a su versatilidad, podrá instalarse en museos, galerías y otros espacios expositivos. En estos entornos, la obra establecerá un diálogo con la estética pulcra y aséptica de estos espacios, introduciendo el plástico reciclado como un elemento disruptivo que genera tensión visual. La presencia de plantas vivas, que inevitablemente se deteriorarán con el tiempo, recordará la fragilidad de lo natural frente a la durabilidad del plástico, planteando una reflexión sobre nuestra huella ambiental. Siempre buscaremos que la instalación esté en espacios de libre acceso, permitiendo que cualquiera pueda disfrutarla.

Mientras que en espacios abiertos este rastro de degradación servirá como testimonio del proceso natural, en entornos museísticos generará una confrontación con la idea de pulcritud y control que suelen caracterizar estos lugares.

«Naturaleza Envasada» es una invitación a repensar nuestros espacios comunes, ya sean calles, plazas, museos o edificios históricos. Creemos firmemente que, a través de la colaboración y la creatividad, podemos transformar áreas de paso o poco interactivas en entornos vibrantes que celebren la vida y promuevan la sostenibilidad.

Ojalá pronto podamos llevarlo a cabo.

 

On Blank Pages / En Hojas Blancas (version for canals)

27 enero, 2025

 

 

 

 

 

 

 

Several months ago, we presented a project specifically designed for the canals of Amsterdam, inspired by our piece “On Blank Pages”, which we have successfully carried out in various cities worldwide, always with formal adaptations to suit the local context. Although this idea will not ultimately be carried out in Amsterdam, we believe it could come to life in any body of water that meets the necessary conditions for its development.

The theme given to us for the proposal was «Legacy,» a concept that raises essential questions: How will we be remembered? Contrasted with: How do we want to be remembered? We see this as a perfect approach to be explored through personal reflections written on blank pages.

The project would begin with the distribution of blank notebooks among neighbors, collectives, and local groups, inviting them to reflect in private on the meaning of «legacy.» Questions such as: What values are worth preserving? What inherited problems could we try to solve? What ideas do we want to pass on to future generations? would serve as a guide to stimulate their contributions.

Each notebook would be personalized with total freedom: writing, drawing, or expressing ideas in any form would be valid, with no rules or worries about doing it «right» or «wrong.» The goal would be to create a free and anonymous space where all voices could be included.

Once completed, the notebooks would be suspended over the water and illuminated to create a visually impactful installation. From afar, they would offer a magical and evocative atmosphere; up close, they would invite passersby to stop, read, and discover the reflections of the community. Walking alongside the water would provide a unique visual and auditory experience: the notebooks, swaying in the wind, would reflect light onto the water, creating a dynamic and ever-changing environment that symbolizes the living and evolving nature of ideas.

The theme of «legacy» aligns perfectly with our proposal, as it would not represent something fixed or rigid but rather something fluid and constantly evolving, like life itself and the water that sustains the installation. The piece would not only aim for visual impact but would also invite reflection on what we want to build and leave for those who come after us.

More than just an aesthetic installation, “On Blank Pages”, as in previous versions that addressed other themes, would serve as a platform for people to share what they consider essential to preserve, what they aspire to change, and what they dream of for the future. By coming together in this space, these private reflections would transform into a powerful collective testimony.

To bring it to life, simple white paper would be used. Depending on the weather conditions, basic recycled paper or a water-resistant and eco-friendly variant could be employed. This paper could be presented as illuminated sheets clipped into place, as we did with our piece «Hojas por Hojas» , or as notebooks illuminated with small internal bulbs or autonomous lights that would be easier to install and provide an intimate yet perfectly perceptible glow.

The final appearance of the installation would always adapt to the setting and the optimization of costs, as is customary in our work. We have considered some initial options, which are reflected in these images, but there are endless possibilities to explore. We even thought about the beauty of leaving the paper completely white so that everyone could imagine what they wanted to write on it.

We hope to see it come to life soon, shining above our heads.

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Hace varios meses presentamos un proyecto diseñado específicamente para los canales de Ámsterdam, inspirado en nuestra pieza “En hojas blancas”, que ya hemos llevado a cabo con éxito en diversas ciudades del mundo, siempre con adaptaciones formales para adaptarla al contexto local. Aunque esta idea finalmente no se llevará a cabo en Ámsterdam, creemos que podría cobrar vida en cualquier espacio de agua que reúna las condiciones necesarias para desarrollarla.

El tema que se nos dio para la propuesta era «El legado», una cuestión que plantea preguntas esenciales: ¿Cómo seremos recordados? contrapuesto a ¿Cómo queremos ser recordados? Nos parece un enfoque perfecto para desarrollarlo a través de reflexiones personales plasmadas en hojas en blanco.

El proyecto comenzaría con la distribución de cuadernos en blanco entre vecinos, colectivos y grupos locales, invitándolos a reflexionar en la intimidad sobre el significado del «legado». Preguntas como: ¿Qué valores merece la pena preservar? ¿Qué problemas heredados podríamos intentar resolver? ¿Qué ideas queremos transmitir a las generaciones futuras? servirían como guía para estimular sus contribuciones.

Cada cuaderno sería personalizado con total libertad: escribir, dibujar o expresar ideas de cualquier forma sería válido, sin reglas ni preocupaciones por hacerlo «bien» o «mal». El objetivo sería crear un espacio libre y anónimo donde todas las voces tuvieran cabida.

Una vez completados, los cuadernos se suspenderían sobre el agua y serían iluminados para formar una instalación visualmente impactante. Desde lejos, ofrecerían una atmósfera mágica y evocadora; de cerca, invitarían a quienes paseen a detenerse, leer y descubrir las reflexiones de la comunidad. Pasear junto al agua permitiría disfrutar de una experiencia visual y sonora única: los cuadernos, movidos por el viento, reflejarían las luces sobre el agua, creando un ambiente dinámico y cambiante que simboliza la naturaleza viva y en evolución de las ideas.

El tema del «legado» se alinea perfectamente con nuestra propuesta, ya que no se trataría de algo fijo ni rígido, sino fluido y en evolución constante, como la vida misma y como el agua que sustenta la instalación. La pieza no solo buscaría un impacto visual, sino que también invitaría a reflexionar sobre lo que queremos construir y dejar para quienes nos sigan.

Más que una instalación estética, “En hojas blancas”, como en anteriores versiones en las que se plantearon otros temas, sería una plataforma para que las personas compartieran lo que consideran esencial preservar, lo que aspirarían a cambiar y lo que soñarían para el futuro. Al unirse en este espacio, estas reflexiones privadas se transformarían en un poderoso testimonio colectivo.

Para materializarla, se utilizaría simple papel blanco. Según las condiciones climáticas, podría emplearse papel reciclado básico o una variante resistente al agua y ecológica. Este papel podría presentarse en forma de folios iluminados sujetos por pinzas, como hicimos en nuestra pieza «Hojas por Hojas», o bien como cuadernos iluminados mediante pequeñas bombillas interiores o luces autónomas que serían más fáciles de instalar y generarían una iluminación íntima pero perfectamente perceptible.

La apariencia final de la instalación siempre se adaptaría al entorno y a la optimización de los costes, como es habitual en nuestro trabajo. Hemos pensado en algunas opciones iniciales que plasmamos en estas imágenes, pero hay infinitas posibilidades que explorar. Incluso hemos pensado en la belleza de dejar el papel completamente blanco para que cada uno imagine lo que quería escribir en él.

Ojalá pronto podamos verla cobrar vida y lucir sobre nuestras cabezas.

Plastic Island/ Isla Plástica. Lyon 2024

23 enero, 2025

 


 

 

 

 

Last December, we were invited to participate in the festival Fête des Lumières 2024, and we decided to present a new version of our work «Plastic Island», an installation we have developed in several cities, adapting it to different contexts and spaces.

When we first created this project in 2014, it was a direct statement about the plastic islands floating in the oceans—dramatic monuments to our irresponsible consumption. In subsequent editions, we sought to bring this issue to urban environments, choosing water spaces such as ornamental fountains to recreate these artificial islands and connect spectators to the problem in their daily lives, far from the oceans.

This time, the setting was an ornamental fountain in the magnificent Parc de la Tête d’Or in Lyon, a place renowned for its well-maintained natural surroundings and harmonious beauty. The installation, composed of 15,000 plastic bottles sourced from a local recycling plant in Lyon, created a powerful contrast between the park’s serenity and the rawness of the illuminated plastic. To amplify this impact, we kept the labels on the bottles, allowing visitors to recognize the brands and products they use daily. Naturally, once the installation was dismantled, all the materials were returned to the recycling plant, ensuring the piece adhered to our sustainability principles.

This work reflects our philosophy of creating site-specific installations, designed specifically to integrate with and engage in dialogue with the space in which they are presented. To achieve this, we always strive to use locally sourced materials and collaborate with local suppliers, minimizing the transportation footprint and strengthening the connection between the work and its environment. In this case, the combination of the fountain’s water, the plastic, and the park’s cared-for natural setting resulted in a unique installation that could not have had the same meaning elsewhere.

The lighting, designed with low-energy LED spotlights, was also part of this sustainable approach. The lights were directed toward the plastic, highlighting its textures and colors, while the surroundings remained dimly lit. This created a contemplative atmosphere that invited the audience to reflect on their relationship with plastic in everyday life.

We would like to thank the Festival Fête des Lumières for including a work like this in its program. While not a traditionally spectacular installation, it addresses urgent environmental issues that society must confront. At a time when sustainability is being sidelined in many political agendas, we especially value the festival’s decision to provide space for works that encourage reflection on environmental impact and climate change—topics that are not always easy to address in public spaces.

With this installation, we aimed to keep the conversation about the environment alive, reminding people that art can be a powerful tool to highlight urgent problems. Although the future of these themes in public events seems increasingly uncertain, we remain committed to creating works that not only generate visual impact but also serve as a call to action. As long as we can, we will continue working to ensure these conversations are not silenced.

Thanks to the festival team for programming us, to our producers BAAM Productions for making the piece happen and to Melisa Hernández for the photos.

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El pasado diciembre, fuimos invitados a participar en el festival Fête des Lumières 2024 y decidimos presentar una nueva versión de nuestra obra «Isla Plástica», una instalación que hemos desarrollado en varias ciudades, adaptándola a diferentes contextos y espacios.

Cuando comenzamos este proyecto en 2014, lo hicimos como una denuncia directa a las islas de plástico que flotan en los océanos, auténticos monumentos dramáticos de nuestro consumo irresponsable. En ediciones posteriores, trasladamos esta problemática a entornos urbanos, buscando espacios de agua como fuentes ornamentales para recrear estas islas artificiales y conectar a los espectadores con el problema desde su vida cotidiana, lejos de los océanos.

En esta ocasión, el escenario fue una fuente ornamental en el magnífico Parc de la Tête d’Or  en Lyon, un lugar renombrado por su cuidado entorno natural y su belleza armoniosa. La instalación, compuesta por 15.000 botellas plásticas provenientes de una planta de reciclaje local en Lyon, genera un poderoso contraste entre la serenidad del parque y la crudeza del plástico iluminado. Para reforzar este impacto, conservamos las etiquetas de las botellas, permitiendo que los visitantes reconocieran las marcas y productos que consumen a diario. Por supuesto, al desmontar la instalación, todo el material fue devuelto a la planta de reciclaje, asegurando que la pieza cumpliera con nuestros principios de sostenibilidad.

Esta obra hace honor a nuestra filosofía de trabajo, basada en la creación de piezas site-specific, diseñadas específicamente para integrarse y dialogar con el espacio en el que se presentan. Para ello, siempre buscamos emplear materiales del comercio local y colaborar con proveedores de la zona, minimizando la huella de transporte y reforzando la conexión entre la obra y su entorno. En este caso, la combinación del agua de la fuente, el plástico y la naturaleza cuidada del parque dio lugar a una instalación única que no habría tenido el mismo significado en otro lugar.

La iluminación, realizada con focos LED de bajo consumo, también forma parte de este enfoque sostenible. Las luces estaban dirigidas hacia el plástico, resaltando sus texturas y colores, mientras el entorno permanecía tenuemente iluminado, creando una atmósfera reflexiva que invita al público a cuestionar su relación con el plástico en la vida cotidiana.

Queremos agradecer al Festival Fête des Lumières por incluir una obra como esta en su programa. Aunque no es una instalación espectacular en el sentido tradicional, aborda temas medioambientales urgentes con los que la sociedad debe comprometerse. En un momento en el que la sostenibilidad está siendo relegada en muchas agendas políticas, valoramos especialmente que el festival brinde espacio a obras que permiten reflexionar sobre el impacto ambiental y el cambio climático, temas que no siempre son fáciles de tratar en el ámbito público.

Con esta instalación, hemos querido mantener viva la conversación sobre el medioambiente, recordando que el arte puede ser una herramienta poderosa para visibilizar problemas urgentes. Aunque el futuro de estas temáticas en eventos públicos parece incierto, seguimos comprometidos con la creación de piezas que no solo generen impacto visual, sino que también sirvan como un llamado a la acción. Mientras podamos, seguiremos trabajando para que estas conversaciones no se apaguen.

Gracias al equipo del festival por programarnos, a nuestros productores BAAM Productions por sacar adelante la pieza y a Melisa Hernández por las fotos.

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Time of installation: 1 days.
Damages: none.
Exhibition time: 5 days.

 

The Glow of What Doesn’t Shine / El brillo de lo que no brilla

2 enero, 2025

 

 


 

 

 

 

In recent years, during the Christmas season, we have witnessed how cities transform into stages filled with glimmers and lights. Dazzling displays, neon spectacles covering trees, façades, and parks, turn the ordinary into something almost surreal. These interventions, while impressive, create a contradiction: they amaze us with their ability to transform spaces and capture public attention, yet at the same time, they overwhelm us and disconnect us from their original essence.

What was once a Christmas tree is now a cone of light; the natural elements of parks resemble plastic decorations straight out of a bazaar; flowers and animals that adorn gardens are made of light bulbs and synthetic materials. These transformations render the natural unrecognizable, designed solely for consumerist spectacle and fleeting Instagrammable experiences. In this context, a question arises: how have we come to perceive nature only when it is turned into a visual show?

From this reflection emerges the idea of «The Glow of What Doesn’t Shine». We envisioned reimagining an object as ordinary as a rock, transforming it to make it more «appealing» to the audience. We imagined it covered in mirrors, turned into an imperfect disco ball slowly rotating, casting reflections in a public space designed to invite contemplation.

A monumental rock, which in its original state might go unnoticed, when covered in mirrors and placed on a rotating platform, becomes the centerpiece of a visual spectacle. Beams of light from spotlights installed around it fill the space with a hypnotic play of lights. Its cyclical and constant motion evokes the Earth’s rotations and the natural cycles we often overlook. The mirrors covering it, though transformed, have a natural origin, reminding us of the deep connection between what we consider artificial and the natural world it comes from.

Around the large rock, smaller stones, also covered in mirrors, could serve as seating for visitors to pause, observe, and engage with the experience.

The goal is not to beautify but to highlight what has always been there, transforming it to amplify its visual impact without stripping it of its essence. While observing the object in motion, one might begin to wonder: why do we increasingly need something to be spectacular to give it our attention? What does this say about our relationship with our environment?

Under its dazzling appearance, this proposal critiques our society’s superficiality. We have grown accustomed to taming the wild, molding it to fit our ideas of beauty and making it easier to control. In the process, we have lost respect for and connection with the essential. Here, the rock, covered in mirrors, does more than reflect light; it reflects our disconnection. It multiplies our image into thousands of fragments, reminding us that, even though authenticity exists, we prefer what is designed to please us and to share on social media.

We do not aim to provide answers but to pose necessary questions. We invite you to sit down, observe the interplay of lights, and reflect: could we learn to see authenticity with fresh eyes? Or will we continue seeking only what glows, but doesn’t truly illuminate us?

From a practical perspective, considering the challenge of transporting a large rock to a public space, we propose creating an artificial rock using cement or papier-mâché with a metal structure. This approach would reduce its weight and facilitate installation on the rotating platform while maintaining the work’s essential character without resorting to synthetic materials. Of course, we always rely on the collaboration of local volunteers to help us dress the rock with the brilliance and glamour we envision.

Incidentally, the idea of using the disco ball concept to bring attention to what no one notices has been on our minds since 2014, when we imagined covering mundane urban furniture with tiny, shining mirrors to celebrate the shared and free use of public space. «Celebrating public spaces«.

Below we have added some realistic images to help you better understand where the original idea came from.

We wish to carry out some of the versions of this idea.

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En los últimos años, durante las festividades navideñas, hemos visto cómo las ciudades se transforman en escenarios llenos de destellos y brillos. Luces que deslumbran, espectáculos de neón que cubren árboles, fachadas y parques, convierten lo cotidiano en algo casi irreal. Estas intervenciones, aunque impresionantes, generan una contradicción: nos sorprenden por su capacidad de transformar el espacio y captar la atención del público, pero al mismo tiempo nos saturan y nos desconectan de su esencia original.

Lo que antes era un árbol navideño ahora se convierte en un cono de luz; los elementos naturales de los parques parecen adornos de plástico salidos de un bazar; las flores y animales que decoran los jardines están hechos de bombillas y materiales sintéticos. Estas transformaciones convierten lo natural en algo irreconocible, diseñado únicamente para el espectáculo consumista y la fugaz experiencia instagrameable. En este contexto, surge la pregunta: ¿cómo hemos llegado a percibir lo natural solo cuando se convierte en un show visual?

De esta reflexión nace la idea de «El brillo de lo que no brilla». Nos planteamos reimaginar un objeto tan cotidiano como una roca, transformándolo para hacerlo más «atractivo» a los ojos de la audiencia. La visualizamos cubierta con espejos, convertida en una bola imperfecta de discoteca que giraría lentamente, proyectando destellos en un espacio público diseñado para invitar a la contemplación.

Una roca monumental, que en su estado original podría pasar desapercibida, al ser revestida con espejos y colocada sobre una plataforma giratoria, se convierte en el centro de un espectáculo visual. Haces de luz provenientes de focos instalados alrededor llenan el espacio con un juego hipnótico de luces. Su movimiento, cíclico y constante, evoca los giros de la Tierra y los ciclos naturales que a menudo ignoramos. Los espejos que la cubren, aunque transformados, tienen un origen natural, recordándonos el vínculo profundo entre lo que consideramos artificial y el mundo del que proviene.

Alrededor de la gran roca, podrían disponerse piedras más pequeñas, también revestidas de espejos, que funcionarían como asientos para que los visitantes se detengan a observar y participar en la experiencia.

El objetivo no es embellecer, sino poner en valor lo que siempre estuvo ahí, transformándolo para amplificar su impacto visual sin despojarlo de su esencia. Al contemplar el objeto en movimiento, quizás surjan preguntas: ¿por qué necesitamos que algo sea espectacular para prestarle atención? ¿Qué revela esto sobre nuestra relación con el entorno?

Bajo su apariencia deslumbrante, esta propuesta plantea una crítica sobre nuestra superficialidad como sociedad. Nos hemos acostumbrado a domesticar lo salvaje, a moldearlo para que encaje en nuestras ideas de belleza y sea más fácil de controlar. En ese proceso, hemos perdido el respeto y la conexión con lo esencial. Aquí, la roca, cubierta de espejos, no solo refleja la luz; también refleja nuestra desconexión. Nos devuelve nuestra propia imagen multiplicada en miles de destellos, como un recordatorio de que, aunque lo auténtico está presente, preferimos lo diseñado para agradarnos y para compartirlo en nuestras redes sociales.

No pretendemos ofrecer respuestas, pero sí plantear preguntas necesarias. Invitamos a sentarse, observar el juego de luces y reflexionar: ¿podríamos aprender a mirar lo auténtico con nuevos ojos? ¿O seguiremos buscando solo aquello que brilla, pero no nos ilumina?

En términos prácticos, considerando la dificultad de transportar una gran roca a un espacio público, planteamos la posibilidad de crear una roca artificial con cemento o cartón piedra y una estructura metálica. Este enfoque reduciría el peso y facilitaría su instalación en la plataforma giratoria, manteniendo el carácter esencial de la obra sin recurrir a materiales sintéticos. Por supuesto, siempre contamos con la colaboración de voluntarios locales para ayudarnos a vestir la roca con el brillo y el glamour que imaginamos.

Por cierto, la idea de usar el concepto de bola de discoteca para dar brillo a lo que nadie mira ya nos lleva rondando la cabeza desde 2014, cuando pensamos en cubrir anodinos elementos de mobiliario urbano con espejos minúsculos que brillaran, celebrando el uso compartido y gratuito del espacio público , «Celebrando el espacio público». Debajo hemos añadido unas imágenes realistas que ayuden a entender mejor de donde partió la idea original.

Deseando llevar a cabo alguna de las versiones de esta pieza.