luzinterruptus

Plastic Island/ Isla Plástica. Lyon 2024

23 enero, 2025

Last December, we were invited to participate in the festival Fête des Lumières 2024 , and we decided to present a new version of our work «Plastic Island», an installation we have developed in several cities, adapting it to different contexts and spaces.

When we first created this project in 2014, it was a direct statement about the plastic islands floating in the oceans—dramatic monuments to our irresponsible consumption. In subsequent editions, we sought to bring this issue to urban environments, choosing water spaces such as ornamental fountains to recreate these artificial islands and connect spectators to the problem in their daily lives, far from the oceans.

This time, the setting was an ornamental fountain in the magnificent Parc de la Tête d’Or in Lyon, a place renowned for its well-maintained natural surroundings and harmonious beauty. The installation, composed of 15,000 plastic bottles sourced from a local recycling plant in Lyon, created a powerful contrast between the park’s serenity and the rawness of the illuminated plastic. To amplify this impact, we kept the labels on the bottles, allowing visitors to recognize the brands and products they use daily. Naturally, once the installation was dismantled, all the materials were returned to the recycling plant, ensuring the piece adhered to our sustainability principles.

This work reflects our philosophy of creating site-specific installations, designed specifically to integrate with and engage in dialogue with the space in which they are presented. To achieve this, we always strive to use locally sourced materials and collaborate with local suppliers, minimizing the transportation footprint and strengthening the connection between the work and its environment. In this case, the combination of the fountain’s water, the plastic, and the park’s cared-for natural setting resulted in a unique installation that could not have had the same meaning elsewhere.

The lighting, designed with low-energy LED spotlights, was also part of this sustainable approach. The lights were directed toward the plastic, highlighting its textures and colors, while the surroundings remained dimly lit. This created a contemplative atmosphere that invited the audience to reflect on their relationship with plastic in everyday life.

We would like to thank the Festival Fête des Lumières for including a work like this in its program. While not a traditionally spectacular installation, it addresses urgent environmental issues that society must confront. At a time when sustainability is being sidelined in many political agendas, we especially value the festival’s decision to provide space for works that encourage reflection on environmental impact and climate change—topics that are not always easy to address in public spaces.

With this installation, we aimed to keep the conversation about the environment alive, reminding people that art can be a powerful tool to highlight urgent problems. Although the future of these themes in public events seems increasingly uncertain, we remain committed to creating works that not only generate visual impact but also serve as a call to action. As long as we can, we will continue working to ensure these conversations are not silenced.

Thanks to the festival team for programming us, to our producers BAAM Productions for making the piece happen and to Melisa Hernández for the photos.

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El pasado diciembre, fuimos invitados a participar en el festival Fête des Lumières 2024 y decidimos presentar una nueva versión de nuestra obra «Isla Plástica», una instalación que hemos desarrollado en varias ciudades, adaptándola a diferentes contextos y espacios.

Cuando comenzamos este proyecto en 2014, lo hicimos como una denuncia directa a las islas de plástico que flotan en los océanos, auténticos monumentos dramáticos de nuestro consumo irresponsable. En ediciones posteriores, trasladamos esta problemática a entornos urbanos, buscando espacios de agua como fuentes ornamentales para recrear estas islas artificiales y conectar a los espectadores con el problema desde su vida cotidiana, lejos de los océanos.

En esta ocasión, el escenario fue una fuente ornamental en el magnífico Parc de la Tête d’Or en Lyon, un lugar renombrado por su cuidado entorno natural y su belleza armoniosa. La instalación, compuesta por 15.000 botellas plásticas provenientes de una planta de reciclaje local en Lyon, genera un poderoso contraste entre la serenidad del parque y la crudeza del plástico iluminado. Para reforzar este impacto, conservamos las etiquetas de las botellas, permitiendo que los visitantes reconocieran las marcas y productos que consumen a diario. Por supuesto, al desmontar la instalación, todo el material fue devuelto a la planta de reciclaje, asegurando que la pieza cumpliera con nuestros principios de sostenibilidad.

Esta obra hace honor a nuestra filosofía de trabajo, basada en la creación de piezas site-specific, diseñadas específicamente para integrarse y dialogar con el espacio en el que se presentan. Para ello, siempre buscamos emplear materiales del comercio local y colaborar con proveedores de la zona, minimizando la huella de transporte y reforzando la conexión entre la obra y su entorno. En este caso, la combinación del agua de la fuente, el plástico y la naturaleza cuidada del parque dio lugar a una instalación única que no habría tenido el mismo significado en otro lugar.

La iluminación, realizada con focos LED de bajo consumo, también forma parte de este enfoque sostenible. Las luces estaban dirigidas hacia el plástico, resaltando sus texturas y colores, mientras el entorno permanecía tenuemente iluminado, creando una atmósfera reflexiva que invita al público a cuestionar su relación con el plástico en la vida cotidiana.

Queremos agradecer al Festival Fête des Lumières por incluir una obra como esta en su programa. Aunque no es una instalación espectacular en el sentido tradicional, aborda temas medioambientales urgentes con los que la sociedad debe comprometerse. En un momento en el que la sostenibilidad está siendo relegada en muchas agendas políticas, valoramos especialmente que el festival brinde espacio a obras que permiten reflexionar sobre el impacto ambiental y el cambio climático, temas que no siempre son fáciles de tratar en el ámbito público.

Con esta instalación, hemos querido mantener viva la conversación sobre el medioambiente, recordando que el arte puede ser una herramienta poderosa para visibilizar problemas urgentes. Aunque el futuro de estas temáticas en eventos públicos parece incierto, seguimos comprometidos con la creación de piezas que no solo generen impacto visual, sino que también sirvan como un llamado a la acción. Mientras podamos, seguiremos trabajando para que estas conversaciones no se apaguen.

Gracias al equipo del festival por programarnos, a nuestros productores BAAM Productions por sacar adelante la pieza y a Melisa Hernández por las fotos.

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Time of installation: 1 days.
Damages: none.
Exhibition time: 5 days.

In recent years, during the Christmas season, we have witnessed how cities transform into stages filled with glimmers and lights. Dazzling displays, neon spectacles covering trees, façades, and parks, turn the ordinary into something almost surreal. These interventions, while impressive, create a contradiction: they amaze us with their ability to transform spaces and capture public attention, yet at the same time, they overwhelm us and disconnect us from their original essence.

What was once a Christmas tree is now a cone of light; the natural elements of parks resemble plastic decorations straight out of a bazaar; flowers and animals that adorn gardens are made of light bulbs and synthetic materials. These transformations render the natural unrecognizable, designed solely for consumerist spectacle and fleeting Instagrammable experiences. In this context, a question arises: how have we come to perceive nature only when it is turned into a visual show?

From this reflection emerges the idea of «The Glow of What Doesn’t Shine». We envisioned reimagining an object as ordinary as a rock, transforming it to make it more «appealing» to the audience. We imagined it covered in mirrors, turned into an imperfect disco ball slowly rotating, casting reflections in a public space designed to invite contemplation.

A monumental rock, which in its original state might go unnoticed, when covered in mirrors and placed on a rotating platform, becomes the centerpiece of a visual spectacle. Beams of light from spotlights installed around it fill the space with a hypnotic play of lights. Its cyclical and constant motion evokes the Earth’s rotations and the natural cycles we often overlook. The mirrors covering it, though transformed, have a natural origin, reminding us of the deep connection between what we consider artificial and the natural world it comes from.

Around the large rock, smaller stones, also covered in mirrors, could serve as seating for visitors to pause, observe, and engage with the experience.

The goal is not to beautify but to highlight what has always been there, transforming it to amplify its visual impact without stripping it of its essence. While observing the object in motion, one might begin to wonder: why do we increasingly need something to be spectacular to give it our attention? What does this say about our relationship with our environment?

Under its dazzling appearance, this proposal critiques our society’s superficiality. We have grown accustomed to taming the wild, molding it to fit our ideas of beauty and making it easier to control. In the process, we have lost respect for and connection with the essential. Here, the rock, covered in mirrors, does more than reflect light; it reflects our disconnection. It multiplies our image into thousands of fragments, reminding us that, even though authenticity exists, we prefer what is designed to please us and to share on social media.

We do not aim to provide answers but to pose necessary questions. We invite you to sit down, observe the interplay of lights, and reflect: could we learn to see authenticity with fresh eyes? Or will we continue seeking only what glows, but doesn’t truly illuminate us?

From a practical perspective, considering the challenge of transporting a large rock to a public space, we propose creating an artificial rock using cement or papier-mâché with a metal structure. This approach would reduce its weight and facilitate installation on the rotating platform while maintaining the work’s essential character without resorting to synthetic materials. Of course, we always rely on the collaboration of local volunteers to help us dress the rock with the brilliance and glamour we envision.

Incidentally, the idea of using the disco ball concept to bring attention to what no one notices has been on our minds since 2014, when we imagined covering mundane urban furniture with tiny, shining mirrors to celebrate the shared and free use of public space. «Celebrating public spaces«.

Below we have added some realistic images to help you better understand where the original idea came from.

We wish to carry out some of the versions of this idea.

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En los últimos años, durante las festividades navideñas, hemos visto cómo las ciudades se transforman en escenarios llenos de destellos y brillos. Luces que deslumbran, espectáculos de neón que cubren árboles, fachadas y parques, convierten lo cotidiano en algo casi irreal. Estas intervenciones, aunque impresionantes, generan una contradicción: nos sorprenden por su capacidad de transformar el espacio y captar la atención del público, pero al mismo tiempo nos saturan y nos desconectan de su esencia original.

Lo que antes era un árbol navideño ahora se convierte en un cono de luz; los elementos naturales de los parques parecen adornos de plástico salidos de un bazar; las flores y animales que decoran los jardines están hechos de bombillas y materiales sintéticos. Estas transformaciones convierten lo natural en algo irreconocible, diseñado únicamente para el espectáculo consumista y la fugaz experiencia instagrameable. En este contexto, surge la pregunta: ¿cómo hemos llegado a percibir lo natural solo cuando se convierte en un show visual?

De esta reflexión nace la idea de «El brillo de lo que no brilla». Nos planteamos reimaginar un objeto tan cotidiano como una roca, transformándolo para hacerlo más «atractivo» a los ojos de la audiencia. La visualizamos cubierta con espejos, convertida en una bola imperfecta de discoteca que giraría lentamente, proyectando destellos en un espacio público diseñado para invitar a la contemplación.

Una roca monumental, que en su estado original podría pasar desapercibida, al ser revestida con espejos y colocada sobre una plataforma giratoria, se convierte en el centro de un espectáculo visual. Haces de luz provenientes de focos instalados alrededor llenan el espacio con un juego hipnótico de luces. Su movimiento, cíclico y constante, evoca los giros de la Tierra y los ciclos naturales que a menudo ignoramos. Los espejos que la cubren, aunque transformados, tienen un origen natural, recordándonos el vínculo profundo entre lo que consideramos artificial y el mundo del que proviene.

Alrededor de la gran roca, podrían disponerse piedras más pequeñas, también revestidas de espejos, que funcionarían como asientos para que los visitantes se detengan a observar y participar en la experiencia.

El objetivo no es embellecer, sino poner en valor lo que siempre estuvo ahí, transformándolo para amplificar su impacto visual sin despojarlo de su esencia. Al contemplar el objeto en movimiento, quizás surjan preguntas: ¿por qué necesitamos que algo sea espectacular para prestarle atención? ¿Qué revela esto sobre nuestra relación con el entorno?

Bajo su apariencia deslumbrante, esta propuesta plantea una crítica sobre nuestra superficialidad como sociedad. Nos hemos acostumbrado a domesticar lo salvaje, a moldearlo para que encaje en nuestras ideas de belleza y sea más fácil de controlar. En ese proceso, hemos perdido el respeto y la conexión con lo esencial. Aquí, la roca, cubierta de espejos, no solo refleja la luz; también refleja nuestra desconexión. Nos devuelve nuestra propia imagen multiplicada en miles de destellos, como un recordatorio de que, aunque lo auténtico está presente, preferimos lo diseñado para agradarnos y para compartirlo en nuestras redes sociales.

No pretendemos ofrecer respuestas, pero sí plantear preguntas necesarias. Invitamos a sentarse, observar el juego de luces y reflexionar: ¿podríamos aprender a mirar lo auténtico con nuevos ojos? ¿O seguiremos buscando solo aquello que brilla, pero no nos ilumina?

En términos prácticos, considerando la dificultad de transportar una gran roca a un espacio público, planteamos la posibilidad de crear una roca artificial con cemento o cartón piedra y una estructura metálica. Este enfoque reduciría el peso y facilitaría su instalación en la plataforma giratoria, manteniendo el carácter esencial de la obra sin recurrir a materiales sintéticos. Por supuesto, siempre contamos con la colaboración de voluntarios locales para ayudarnos a vestir la roca con el brillo y el glamour que imaginamos.

Por cierto, la idea de usar el concepto de bola de discoteca para dar brillo a lo que nadie mira ya nos lleva rondando la cabeza desde 2014, cuando pensamos en cubrir anodinos elementos de mobiliario urbano con espejos minúsculos que brillaran, celebrando el uso compartido y gratuito del espacio público , «Celebrando el espacio público». Debajo hemos añadido unas imágenes realistas que ayuden a entender mejor de donde partió la idea original.

Deseando llevar a cabo alguna de las versiones de esta pieza.